小学美术课堂教学调查报告
一、调查目的
新课程改革要求教师以人为本，要求每个学生都能拥有一颗积极向上、健康的心灵以及学生个体的全面发展。这种发展的途径可能是多方面的，但作为支撑学校生命线的课堂教学，在其中却担负着非常重要的任务。美术是学生学习艺术的基础课程，每周的课时量并不多，并且它将随着年级的增高而逐渐减少。那么如何在有限的时间内激发学生的兴趣，让学生获得终身所需的素养呢？基于这样的想法我觉得有必要在学生中进行一次问卷调查，从而为教学的改进提供理论依据。
二.调查时间：20xx年11月5日
三、调查对象：
塘厦第二小学学生
四、调查方法：
问卷法
五、调查内容：
（1）调查学生对美术课的喜欢程度。
（2）调查学生教学活动的参与度。
（3）调查学生对课堂作业的感受。
六、调查结果
1、调查学生对美术课的喜欢程度
（1）你喜欢上美术课吗？A.喜欢B.有点喜欢C.不喜欢
(2)你上美术课的心情如何？A.愉快B.一般C.不愉快
经调查得知：80%的学生是喜欢上美术课的，17%的学生有点喜欢，只有3%的学生不喜欢。79%的学生把绘画过程作为非常开心和愉快的活动。19%的学生感觉一般，只有2%的学生不愉快。由数据分析可得，大部分得学生换是喜欢上美术课的，这种自发性的行为促使学生常常带着愉快的心情进入状态。
2、调查学生参与教学活动的情况
（1）你喜欢与同伴一起参与所学美术课题内容的讨论吗？A.喜欢B.有时会C.不喜欢
（2）你愿意展示自己的作品并且愿意谈自己感受吗？A.愿意B.不愿意
（3）你愿意接受同学的建议吗？A.愿意B.不愿意
从数据反映的情况看：98%的学生对课程内容很喜欢，具体表现在普遍愿意参与课题内容的讨论，普遍喜欢与人合作和交流。76%的学生很愿意展示自己的作品并愿意说出自己的心理感受。95%的学生愿意接受别人提出的建议。但是他们希望提建议的同学能说得明确些。从这些想法中我感到学生都有一种积极向上的愿望。23.8%不愿意展示自己作品的学生感到自己的作品画得不好。4.8%不愿意接受同学建议的学生感到老师的评价才是最重要的。
3、调查学生对美术课堂作业的看法
（1）你对完成美术课堂作业的信心如何？A.充满信心B.没有信心
（2）你完成作品后的感觉是？( ) A.兴奋B.一般
（3）你在没有完成作业后时的心情？A.很平静B.无所谓C.很着急
从以上数据可以看到：92.8%的学生在完成课堂作业前很自信，但在作品完成后只有76.1%的学生感到很兴奋，其中的落差是在绘画的过程中丢失的。此外，在调查中还显示：83.4%的学生在作业落后时心情表现得非常平静和无所谓。那么为什么学生在作业落后的情况下普遍心情很平静呢？一方面折射出学生对作品的执着态度他们不愿意由于时间的关系而马马虎虎的对待自己的作品。因此，希望老师能给她带回家继续画；另一方面我想这也许和我们平时的评价体系有关。因为我们的学生心理很清楚，评价作业的.是老师，一张没有完成的作业能在老师那里得到一个好成绩吗？
七、分析与思考
这些调查数据的呈现对我的促动很大，同时也引发了我的一些思考：低年级的学生对美术普遍感兴趣，那么我们的课堂教学将用怎样的途径让他们的兴趣得以延续呢？低年级的学生喜欢与人合作、交流，那么我们的课堂能给他们提供这种需要吗？对于自信心不足的学生和课中无法及时完成作品的学生又该给予怎样的帮助呢？这些需要思考的问题为我今后改进课堂教学提供了依据，也因此产生了一些想法，想在教学中进行尝试。
一、面向全体，创设分层作业目标。
学生是教学的主体。俗话说“尺有所长，寸有所短。”学生的个性差异决定了学生的个体能力的不平衡。面对这种差异我想以教材为载体，从学生的实际需求出发，从过去对作业的统一标准再细分成基础、深化、探究三个标准。让学生在绘画时能根据自己的实际和心理感受选择适合自己的作业目标。
（1）能力较弱的学生可以选择基础层面的作业目标即掌握最基本的形与色。
（2）一般的学生可以选择深化层面的目标也就是在形与色的基础上还要考虑画面的美观。
（3）那些特别好的学生则可以发挥自己的想象力画出新颖，有创意的作品。
以上所设想的分层目标是想让每个学生都能有始有终的保持他愉悦的心情；
也让每个学生都能在短时期内能获得成功感。但目标的设定还应根据教材内容进行调整。
二、关注情感因素，注重学生学习过程的评价
美术课堂的直接结果是学生的作品，这些作品只能在十几分钟的时间里完成。作品可能是粗糙的；可能是细腻的；可能是夸张的，可能是平淡的。这些我们都能通过作品去了解。但是学生在完成作品的过程中开心吗？他遇到了哪些困难又是怎样解决的？这些都是无法在作品中体现出来。因此作品完成的过程其实是学生心理、智力、技能、情感交融的过程。由于这样的思索我想从作品的评价上去考虑改进，具体设想为：
（1）扩大评价的领域，注重三维目标中的“情感与态度”。
①、作品完成后，学生运用自我感觉给自己打分，以星数表示自己在绘画过程中的感受程度。这种感觉可以是对绘画的投入程度；可以是绘画时的心情；可以是技能的掌握程度。运用自我评价发现自己的长处，觉察自己的不足，在内心情感的表露中为改变学习效果提供必要的帮助。
②、学生运用互评方式为对方打分，可以说说同学画面成功之处，也可以说说自己的想法，在交流中逐渐地学会欣赏、学会诊断、学会正确的对待他人的评价。
③、教师运用点评形式解决学生间争议的焦点、对知识点的把握等问题以此丰富评价过程。
④、运用综合评价方式，用表格形式设定自我评价、同学评价、教师评价内容以A、B、C、形式进行评价。
（2）利用资源为学生提供展示作品的舞台
①、利用学生成长记录册的功能，记录学生一学期来最满意的作品数与家长、老师沟通
②、在成长记录册上用画面形式记录一幅学生最满意的作品。
三、建立个别***袋；
美术作为一门艺术的基础课程正被越来越多的人所认同，因此有的学生很早就已经踏入了艺术的大门，他们的技能往往超越了同年龄的学生。虽说是少数人但还是给我们有些学习上不自信的学生带来某种挫折感，觉得自己总是技不如人，对于这样的学生我想尝试采用横向的比较方法让他树立自信。由于美术作品大多数是以平面的形式呈现的，因此最好的方式就是能把学生的作品以照片形式收集个别学生课堂作品，用文件夹的形式进行保存。采用纵向比较的方式，让这些学生在学习中感到自己的进步，展示他们的艺术才能，从而树立自信，获得成功感。
今天的造型艺术，以其多元的视觉形态冲击着我们的眼睛，令我们的视觉神经得不到片刻的休息。绘画、摄影、多媒体、电影、建筑、雕塑、装置、服装、表演、行为艺术等使造型艺术世界不断扩大蔓延，甚至无法定义。
西方在文艺复兴以后至19世纪中期，其艺术形式就不断地翻新。尤其是出现印象派之后，立体主义、野兽主义、抽象主义、达达主义、表现主义、超现实主义……直至今天的后现代艺术。其多元的形式令我们目不暇接惊愕不解。对于我们来说，由于生活的环境及历史的原因，有可能不理解或不喜欢那样的一种存在，但是没有理由不去了解这种存在的原因。
艺术永远是社会现实的反映。不可否认西方艺术的发展离不开那里的政治、经济、科技、文化与历史，我们这个时代的艺术就是我们这个时代精神观念的反映，有什么样的思想观念就会产生什么样的艺术形式。所以，观念的转变是最重要的!
中国已进入了现代社会，虽然发展缓慢，人们的封建意识依然存有，但终究是回不到1840年以前了。改革开放的过程就是思想观念转变的过程，而艺术教育是该走在时代的前沿，因为艺术具有其前瞻性，我们的艺术教育怎能脱离这样一个时代?素描教学的观念作为艺术教育的基础，怎样与时代发展相适应?这是我们的教育者应该思考的问题。
一.素描表现形式的多样性是时代精神的体现
素描的多样性是在现代社会趋于多元化的观念下形成的。过去的古典艺术，一个时期或一个地域的风格样式基本接近，越成熟的艺术越具有程式化的特点。如：古埃及、古印度以及中国的传统艺术都有一套完整的技术程序和固定的风格样式。其风格样式的兴衰变化大多是由政权的更迭、朝代的兴衰决定的。
我们从艺术史的角度来看，古典艺术是在封建制度下形成的，艺术家是为皇帝或上帝服务的，那时的艺术家一定有宗教情感，几代人为表达一种情感锤炼一种样式，虔诚得并不认为自己所做就是艺术。而进入资本主义时代，文艺复兴以来，人文主义精神得到广泛传播。人对客观世界及对人自身的不断认识，人，作为生命的主体得到了应有的尊重。艺术家发现了潜藏在生命里自由的欲望以及发现与创造的欢乐，造型艺术再也不仅仅是宗教的图解和宫廷的装饰了，要求艺术和科学并列，造型艺术和音乐、文学是同样崇高的艺术形式。进入现代社会，艺术家要通过艺术表现自我，艺术的精神在于创造，而当“人人都是艺术家”的进入我们的生活时，当代西方艺术形式的丰富让长期饱受封建意识压抑的人们就不能完全理解了。
素描的多样性是在人的认识不断发现不断创造的过程中形成的，可以说，是在尊重个体人的创造才使素描的多样性成为可能。
我们的教学，是以培养健康的人为前提的。尊重每一个人，发现每一个人的创造潜能，是教育者的责任。其实“人人都是艺术家”就是尊重每个人的存在，我认为仍然是人本主义精神的体现。
由此看来，素描可以有多种表现形式，素描教学的内容应更宽泛些，素描不仅是技巧与方法的训练，也应是思想与观念培养。
二.作为基础教学素描既是思想也是方法
素描是思想方法，是一种思维方式。克利说：用一根线条去散步。就说明了这样一个涵义。我们看到历史上中外艺术家的素描杰作，无一不反映了大师的思想及独特的看法。达芬奇、米开朗基罗、丢勒、鲁本斯、伦勃朗直至印象派之前的古典艺术家，在创作之前大都要先画素描草图进行构思，即使现代艺术家塞尚、凡高、马蒂斯、毕加索也同样是利用素描的方式在思考。因为素描是如此的简便而直接。
从这一点上来说“素描是一切造型艺术的基础”有一定的道理。只是这个“素描”是什么“样式”的素描有待商榷。
造型艺术的基础是由艺术形式决定的，单一的素描方法不可能解决“一切造型艺术”的基础问题。而且，不同的思想观念产生不同的素描形式，达芬奇、米开朗基罗、塞尚、凡高、马蒂斯、毕加索、齐白石、徐悲鸿各有不同。
素描是要解决造型问题，但更重要的是解决观念认识问题。如在一些新的媒体造型艺术中素描仅是一些辅助手段而已，并不一定需要有很强的素描“造型”能力。
各类造型艺术对素描的要求也是不一样的。建筑设计艺术与纯绘画艺术对素描训练的要求就不同。建筑设计需要理性的介入，尊重科学技术手段，侧重人的心理与生理的社会性视觉需求及实用功能的合理性。在素描训练上更注重理解与分析，对形体的比例、透视、空间尤其是对比例、对数的概念的理解似乎更重要。比如包浩斯的基础课程设置：.约翰.伊顿与莫霍利的基础教学就是一个重内在精神冥想，另一个则重实用技术的规范与秩序的代表。而纯绘画艺术比较注重个性化的直觉与感性的训练，西方油画与传统的中国画其对素描的要求也是不同的。西方油画的素描注重对客观形象的分析与表现，尤其是古典油画除有理想审美标准之外，还要有透视、解剖知识的运用，视觉真实可信是首要的;对于传统的中国画，没有素描这一名词，按素描的广泛意义来理解，齐白石的虫、草、翎、毛画稿就是素描，《芥子园画传》就是素描手册。
由于艺术观念的不同也决定了素描形式的不一样。中国古代论画有“得意忘形”“以形写神”之说，东坡云：“论画与形似，见于儿童邻”;而西方古典艺术家们为了“形似”却发现了解剖与透视原理。具象写实的画家与抽象表现的画家其素描的表现如此不同，都是因为观念影响了他的表达方式。
素描是一种思维方式，音乐是一种思维方式，区别文学与哲学是因为她们不是用文字语言去思考，而是用独特的语言方式——视觉的或听觉的图象和声音去思考。
素描是视觉的，是看法，也是技术方法。有什么看法就有什么样的技术方法，传统的中国山水画没有焦点透视，中国画家在画一幅画时不必站在固定的一点对景写生，所谓“搜尽奇峰打腹稿”，采用的是散点透视“三远法”;而西方的风景画一定是固定的视点、固定的光线，即使不是对景写生也要运用严格的焦点透视法则和具体的光线效果。最初西方艺术的透视法、光影法传入我国是不被接受的，因为人们的习惯看法被改变了。
素描不仅是思想，还是一种技术。因为艺术的“术”字就不能回避技术问题。中国画讲笔墨技巧，近千年的锤炼已形成了一整套独特的表现技术：勾、勒、皴、擦、染、点……，在国门被打开之前，人们觉得画就应该是这个样子。而后的观念变化是看到了世界的模样，是“科学”影响了我们的看法。这时的我们想画一张看上去“正确”的素描，还需要学习相应的解剖与透视知识以及光影变化的规律等技术手段。
素描教学技术训练是基础课教学的重要组成部分，只是这个技术训练要有相应的思想观念作指导。
艺术院校设置造型艺术基础课由三部分组成。即：素描、色彩及工具材料的应用。这三部分既有分工也有联系，是一个整体的三个方面不可或缺。素描训练离不开工具材料及对色彩的感觉;同样色彩训练也离不开工具材料及对素描的认识;而工具材料就是一切艺术创造的物质基础，这一点是应该明确的。选择工具材料是观念的问题，而熟悉工具材料就是个技术性问题。素描训练在对“造形”的把握过程中，技术问题就摆到了前面。
任何一种形式观念的素描都离不开可视的媒介载体——材料与图形。材料是平面的或立体的，有色或无色的纸或其它质地的基底，图形是铅笔、粉笔或墨水的痕迹等等，这些材料组合本身就有技术含量。想画得有立体感和空间感，相应的技术和知识是必备的。构图、形体与空间、画面整体感的控制，点、线、面、影调与黑、白、灰的处理，解剖知识、透视规律的运用等等。由于专业的不同所需技术手段亦有所侧重，但在传达对形体的感觉过程中具体的技术手段是丰富的，需要我们去感受去发现。不能否认，有时对技术的探求也会带来观念的变化。
即便如此，素描教学作为造型艺术的基础部分，其训练的.一开始就应介入到艺术的本质，不应仅仅停留在技术训练的层面上。将素描训练看作是人的知觉训练、情感训练、社会人的精神表达式。我们知道没有感觉就没有艺术，丰富而敏锐的感觉才是艺术的生命所在。因此，作为造型艺术基础的素描教学应以开启发掘学生天性为己任，发现学生不同的视知觉感受能力及独特的个性化的表达方式，同时辅以相应的造型技术语言以建立起公共沟通能力，这才是素描教学应起的作用。也只有如此才能充分体现出素描教学在基础教学中的重要意义。
三.在实践中把握素描教学
1.素描教学应解决的问题
首先说是该解决认识问题，其次是表现问题。但素描教学的具体问题是什么呢?简单的说是造型问题。复杂了说：素描教学应解决在色彩之外文字语言等其他媒介无法表达或表达无力时所需的视觉图形语言。运用视觉图形语言去思考、去表现视觉感受以及引导视觉感受是素描教学的核心问题。
(1).培养学生独立观察思考的能力是基础教学的出发点。在素描教学中培养学生深入观察、独立思考、有自己的判断力是首位的;
(2).研究人的普遍视觉需求。人的视觉包括生理的和心理的两个方面，研究具体社会阶层人群对图形的感知能力是素描教学的重要课题;
(3).在具体的素描作业中画面的组织结构是第一位的，我们所说的造型离不开特定的画面空间。画面的组织结构与构图经营位置有相通之处，不同的是“组织结构”更强调画面图式内在的有机联系，强调视觉形式具有生命的整体构成;
(4).形象感觉的表现与传达。包括形象特征、形体结构、质感与量感给每个人相同或不同的感受。这里既有视、知觉的训练也有表现技巧的训练;
(5).工具材料的运用与发现，对材料工具的敏感是当代艺术家的重要特征之一。素描的工具和材料是朴素的、相对简单的，正因为简单才留有发挥我们想象的空间;
(6).了解历史与传统。对中外历史与传统的了解与掌握是学习素描的重要途径之一古今中外的素描大师是我们学习的参考，站在巨人的肩膀上可以看得更远。 2.素描教学应有针对性
素描训练是有针对性的。这是由教学的阶段性不同、专业的性质不同、思想观念的不同决定的。
(1).针对学生年龄阶段的教学，首先是了解学生的生理年龄及专业年龄特点，以避免重复教学使学生产生厌倦心理浪费有效时间;
(2).针对学生个性素质的开发。每一个学生的个性是不同的，为将来的艺术实践打下宽厚坚实的基础，不是先入为主的风格样式的训练，而是在尊重每个学生的个性同时能加以科学的引导;
(3).针对特定课题的训练。不同的课题有不同的要求，将素描艺术的形式因素分解剥离开来，有针对性的分别训练，以强化对视觉形式要素的感受力;
(4).针对不同专业不同特点的感、知觉技能训练。不同的专业有不同的要求，了解专业特点首先是教师的必备素质。要让学生多了解不同的造型艺术特点，了解各种造型艺术语言的经典与素描的关系，以避免学习素描的盲目性。 3.素描教学的技术训练
前面谈了作为基础的素描教学一开始就应介入到艺术的本质——精神的表达。将素描作为人的精神表达方式，就需要涉及到技术性问题，所以“技术性”是素描教学不可回避的问题。我们常说的艺术教学是教技术还是教艺术在教学实践中是要有清醒的认识。
(1)看的方法。视觉艺术离不开“看”，“看”本身并不需要技术，用心去看就可以了。但是，人的知觉在成长的过程中，由于知识的缘故，“看”就发生了变化。能够用“心”去看，也是需要一定方法的。看是人的知觉重要组成部分，人接受信息的80来自视觉，基础教学就是要唤醒人的知觉。
有些人对“色”敏感，有些人对“形”敏感，有些人喜欢粗线条的大关系，不拘小节;而有些人则喜欢细节的罗列，不厌其繁。“整体的看”与“比较的看”，在教学中如何引导既是观念的问题也是个技术性问题。
(2)工具材料的运用。一方面要多尝试运用各类干、湿性材料，以便从中选取自己喜欢的、方便的、耐用的、持久的工具和材料，为能充分表达自己做好物质的准备。教员就似个大师傅将各种菜谱摆出来，学生可以自由挑选，当然大师傅还应该是个营养师。
(3)理论知识的运用。是理论与实践相结合，素描教学就是最初的结合点。透视学、解剖学、人体工程学、视觉心理学等都是造型艺术的基础理论知识。这些知识在素描教学上的运用体现了极复杂的技术性，应分阶段、分层次、分专业开设实践应用课程，有重点的进行实际操作与演练。
4.素描教学的实验性
现代艺术的重要特征之一就是其实验性。在教学中探讨素描表现的可能性是贯彻教学
实验精神的具体方法与途径：一方面是材料应用的可能性;另一方面是视觉心理接受的可能性，从这两方面入手可以大大拓展我们的视觉空间。素描作为基础教学是有其相对稳定性的，但是，作为艺术教学，创造意识的培养是教学主要目的。没有实验精神就不会有所突破，墨守成规的技术训练谈何创造?
开放的社会需要开放的艺术，开放的艺术需要开放的思想。实验性是向未知挑战，是面向未来。在素描教学中我们应该体会的是思想、是创造精神。